Wie lässt sich Geschichte erzählen, was bleibt von ihr, an Bildern, Tönen, Erinnerungen, Überlegungen, Fragen? Thomas Heise beschäftigt sich in MATERIAL mit jenem historischen Moment, in dem die Geschichte der sogenannten Systemkonfrontation des 20. Jahrhunderts – der Auseinandersetzung zwischen Sozialismus und Kapitalismus – in dem von der Mauer umgebenen Teil Deutschlands im Herbst 1989 in einer Art Nadelöhr kulminiert. Die Politisierung hat alle Schichten und Gruppen, hat jeden Einzelnen erfasst. Die bis eben noch bis zum Bersten gespannte dünne Haut über den Konflikten und Widersprüchen reißt. Der Staat DDR befindet sich, nach einem langen Nachkrieg, in der Agonie. Wie weiter? 2009 montiert Thomas Heise Szenen aneinander, die zwischen 1988 und 2008 entstanden –  Fragmente von aus den verschiedensten Gründen abgebrochenen Projekten, ‚Reste’ früherer Arbeiten und filmische Tagebuchnotizen.

Szene aus 'MATERIAL' (2009) von Thomas Heise

Kinder, die an Orten spielen, die immer noch vom Krieg gezeichnet scheinen. – Ein Mann, der, angesichts der Räumung besetzter Häuser durch die Staatsmacht, vor einen Wasserwerfer sinkt und vergeblich „Hört doch auf!“ ruft. – Strafgefangenen, die ihre Geschichten erzählen und fordern, entlassen zu werden, weil sie an den Umwälzungen teilhaben wollen. –  Ihre völlig überforderten Wärter. –  Partei- und Regierungsvertreter, die, unter dem Druck der Ereignisse, auf der Straße das Gespräch mit der aufgebrachten Basis suchen. –  Die höchst gespannte Nervosität, die am 4. November 1989 auf dem Alexanderplatz während der ersten großen und freien Demonstration in der 50-jährigen Geschichte der DDR herrscht. –  Ein Volksvertreter, der über die Gründe seiner Zusammenarbeit mit der Staatsicherheit spricht. – Der Autor und Regisseur Heiner Müller, der mit Schauspielern bei Theaterproben die Betonung eines einzigen Wortes erarbeitend: „Will er nicht aufstehen vor seinem König?“ Heiner Müller darauf: „Seinem KÖ-NIG. Noch mal.“ Nicht die Stimme demütig erheben, vielmehr tief und mit abfallendem Auslaut. –  Der Schauspieler und Regisseur Fritz Marquardt, der anlässlich der Inszenierung des Heiner Müller-Stückes Germania Tod in Berlin am Berliner Ensemble um unbedingte, sich jeder Pragmatik verweigernde künstlerische Freiheit streitet. – ^… –  Tumulten zwischen autonomen Linken und rechten Randalierern und die Ohnmacht der ‚bürgerlichen Mitte’, die sich schließlich gegen das Drehteam und seine Zeugenschaft richtet.

Szene aus 'MATERIAL' (2009) von Thomas Heise

MATERIAL versammelt, in radikaler Nähe zu den Ereignissen, Gegenbilder zu den landläufigen medialen Aufbereitungen jener Monate der Revolution zu Unterhaltungs- und Zerstreuungszwecken. Thomas Heise montiert Bilder der Macht, der Bemächtigung und der Ohmacht zu einer Art visuellem Bewusstseinsstrom. Nichts wird – über die Mitteilung des filmischen Materials und der Art ihrer Montage hinaus – erklärt oder gedeutet. In dieser fragmentarischen Offenheit rekonstruiert sich noch einmal der utopische Denkraum, die Frage nach dem ‚Wie weiter?’.

Thomas Heise, Sohn des Philosophen Wolfgang Heise, war zwischen 1975 und 1978 Regieassistent im DEFA Studio für Spielfilme. Von 1978 bis 1982 studierte er an der Hochschule für Film und Fernsehen Potsdam Babelsberg. Das Studium wurde, im Ergebnis operativer Bearbeitung durch das Ministerium für Staatssicherheit (1976-1988) abgebrochen. Er war von 1990 bis 1997 Mitglied des Berliner Ensembles und ist seit 2007 Professor für Film an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe.

Sein jüngster Dokumentarfilm DIE LAGE (2012), entstanden am Rande der Ereignisse um den Papstbesuch in Deutschland 2011, lief in diesem Jahr im Programm der Internationalen Filmfestspiele Berlin 2012.

Text: Inka Schube

Folgende weitere Filme von Thomas Heise sind zu den Öffnungszeiten der Bibliothek des Sprengel Museum Hannover am Medienarbeitsplatz einsehbar:

Vaterland (D 2002, 98 min) Straguth, Sachsen Anhalt: Fliegerhorst, Arbeitslager der Luftwaffe, der Organisation Todt, dann der Sowjetarmee, heute der NATO. Die wechselnden, unsicheren Zeiten haben sich in die Bewohner eingeschrieben. Eine Expedition in die Sedimentschichten der deutschen Geschichte.

Im Glück (Neger) (D 2006, 87 min) 1990 inszenierte Thomas Heise mit 12 bis 16- Jährigen Heiner Müllers Anatomie Titus Fall of Rome. Bestandsaufnahme eines Erwachsenwerdens in Berlin zwischen 1999 und 2005. “Man kriegt eine Freundin, stellt ein Kind her und dann landet man auf dem Sozialamt. Eine Kurzfassung, wie eine Moritat. Was willst du da sagen? So ist das Leben.” (T.H.)

Der Ausländer (DDR/D 1987/2004, 37 min) Heiner Müller, der Ausländer, vergebliche Verbindung, der Lohndrücker, Proben im Deutschen Theater, 59. Geburtstag, der 17. Juni. Die Zukunft.

Bitte vormerken:

17. April 2012, 18.30 Uhr

Thomas Heise im Gespräch. Es moderiert I. Schube.

”Ich hatte schon immer den Eindruck, dass es nicht um das geht, was man nicht sehen darfst, sondern um das, was man nicht bemerkt. Ich hatte nie Probleme damit, dort zu fotografieren, wo ich wollte, man muss nur ein bisschen einfallsreich sein”, sagt der amerikanische Fotograf John Gossage. In seiner Arbeit D zeigt Gossage unter anderem Aufnahmen aus Kalorama, einem Stadtviertel in Washington D.C., in dem nicht nur Gossage selbst wohnt, sondern in dem auch Donald Rumsfeld, der ehemalige Verteidigungsminister der Vereinigten Staaten, sein Nachbar war. Ein Stadtviertel, dessen Botschaften und teure Privathäuser rund um die Uhr von mindestens drei Polizeidiensten und zusätzlichen privaten Sicherheitsfirmen überwacht wird. Wer hier fotografiert, bleibt sicherlich nicht umbemerkt. Und er sollte sich auskennen mit der Frage, wo fotografiert werden darf und wo nicht. Schließlich hat nicht jeder Fotograf so viel Glück wie John Gossage, der bei seiner Arbeit in Kalorama unbehelligt blieb. Denn es gibt sie tatsächlich, die Sperrzonen des öffentlichen Blickes, die Blindflecken in der fotografischen Registrierung unserer Umgebung. Wie in Amerika, so auch in Deutschland. Nicht immer ist es ein “Fotografieren verboten”-Schild, das den Fotografen am Auslösen seiner Kamera hindert. Doch das Auge des Betrachters wird, von der Öffentlichkeit oftmals unbemerkt, durch gesetzliche Regelungen gelenkt. Nicht nur für Fotografen, egal ob beruflich oder privat, ist es daher bedeutend, die wichtigsten gesetzlich geregelten Bestimmungen zu kennen.

Die beiden wohl wichtigsten Stichwörter der deutschen Rechtsprechung sind in diesem Zusammenhang das der”Panoramafreiheit” im Gegensatz zu dem des “Hausrechts”. Die in Paragraph 59 des Urheberrechtsgesetzes festgehaltene Panoramafreiheit spricht dem Fotografen, vereinfacht ausgedrückt, das Recht zu, fotografieren zu dürfen, was er von einem öffentlichen Platz aus sehen kann. Dabei ist genau festgelegt, dass auch Bilder von urheberrechtlich geschützten Gegenständen, wie beispielsweise Denkmälern, die aus der so genannten Straßenperspektive heraus entstehen, nicht nur veröffentlicht, sondern auch gewerblich genutzt werden dürfen. Klettert der Fotograf zwecks besserer Sichtverhältnisse allerdings auf einen Baum oder bedient sich eines besonders hochragenden Stativs, verlässt er somit die Straßenperspektive und ist aus juristischer Sicht nun nicht mehr durch den Paragraphen zur Panoramafreiheit geschützt. Im zweifelsfall kann sich der Fotograf nun bereits durch den  Akt des Fotografierens strafbar machen.

Beschränkt wird der Paragraph zur Panoramafreiheit zudem durch das in Artikel 13 des Grundgesetzes bezeichnete Hausrecht. So benötigt ein Fotograf, der Bilder innerhalb eines eingegrenzten Bereiches, beispielsweise öffentlichen Gebäuden wie Bibliotheken, Turnhallen oder Haftanstalten, machen möchte, stets die Einwilligung des Inhabers des Hausrechts. Selbiges gilt auch für Privathäuser, allerdings mit dem Unterschied, dass es Privateigentümern gestattet ist, Fotografen den Blick auf das Eigentum durch das Anbringen eines Sichtschutzes zu verwähren. Unterschieden wird hier oftmals noch zwischen einer privaten und einer kommerziellen Nutzung der Fotos. So ist es Amateuren häufig gestattet, Aufnahmen zu machen, solange diese nicht für den Verkauf gedacht sind. Generell gilt aber, dass das letzte Wort der Hausherr hat, der sich jederzeit auf sein Hausrecht berufen und somit ein allgemeines Fotografieverbot aussprechen kann. Besonders häufig greift dieses beispielsweise bei Konzertveranstaltungen, bei denen dem Veranstalter laut Mietvertrag das Hausrecht an der Location zugesprochen wird. Da ein Konzert aus rechtlicher Sicht zudem eine geschlossene und private Veranstaltung ist, hat der Veranstalter sogar das Recht, selbst Berufsfotografen das Fotografieren zu verbieten oder es rigide einzuschränken, indem er beispielsweise den Zeitpunkt festlegt, zu dem Aufnahmen gemacht werden dürfen oder die Position der Fotografen bestimmt. Selbst das auf diese Weise entstehende Bildmaterial kann sich der Veranstalter vor einer möglichen Veröffentlichung zur Freigabe vorlegen lassen.

Zu den dunkelsten Flecken innerhalb der Fotografiegeschichte gehören in Deutschland militärische Anlagen, wenn diese von dem entsprechenden Bundesland zu einem Schutzbereich erklärt worden sind. Wie hier gilt auch in den Bahnhöfen der Deutschen Bahn, die von ihrem Hausrecht Gebrauch macht und das Fotografieren nur mit einer schriftlichen Genehmigung gestattet, ein striktes Fotografie-Verbot.

Text: Gesa Lehrmann

Das Sprengel Museum Hannover zeigt in der dritten Einzelausstellung des Fotografen in diesem Haus nun erstmals in Europa Arbeiten aus den Serien The Thirty- Two Inch Ruler und Map of Babylon. Eine Publikation, die beide Serien vorstellt, erschien 2010 im Verlag Steidl.

John Gossage: Ohne Titel, aus: The Thirty-Two Inch Ruler (2008)

Gossage, der seine Ausbildung in den frühen 1960er- Jahren bei Lisette Model (1901-1983) und Alexey Brodovitch (1898-1971) erhielt, hat – wenn auch auf indirekte Weise – die europäische Fotografie entscheidend mitgeprägt. Anfang der 1980er-Jahre hielt er sich häufig in Berlin auf. Er bewegte sich im Umfeld der Werkstatt für Photographie der VHS Kreuzberg, einer Gründung von Michael Schmidt (1945*), und fotografierte das ›Schwarz‹ jener Stadt, in der die ökonomischen- ideologischen Systeme, deren Auseinandersetzungen die Nachrkiegsjahrzehnte prägten, aufeinanderstießen. Das Interesse für Grenzen scheint das Werk dieses Fotografen zu durchziehen. Seien es die zwischen ›Ost‹ und ›West‹, zwischen ›Nord‹ und ›Süd‹, zwischen ›Natur‹ und ›Zivilisation‹: John Gossage bietet sie mittels der Fotografie und im Medium ›Fotobuch‹ einer quasi literarisch-filmischen Lektüre dar. Seine Bilder sind so feingezeichnet, so nuanciert in den grafischen Strukturen, dass sie sich, obwohl stets dem fotografischen Befund verpflichtet, wie Texte lesen lassen. »Stimmungsraum und Erlebniswahrheit« treffen in den Fotografien von John Gossage unmittelbar aufeinander. Das Nichtsensationelle, Alltägliche, die präzise phänomenologische Haptik des Banal-Alltäglichen trifft – vermittelt über gezielte Schärfe- und Unschärfesetzungen – auf das Imaginäre, das in dieser Bildwelt stets historisch konkret und zumeist mit epochaler Bedeutung unterlegt ist. Das ›an sich Sichtbare‹, das ›bewusst Wahrgenommene‹ und das häufig visuell schwer lastende ›Unsichtbare‹, ›Unkonturierte‹ werden auf höchst subtile Weise immer aufs Neue gegeneinander abgewogen.

Für The Thirty-Two Inch Ruler und Map of Babylon – zwei fotografische Serien in einem sowohl von hinten als auch nach vorn zu lesendem Buch – arbeitet John Gossage das erste Mal in Farbe. Wir befinden uns in Washington D. C., dem – so zumindest das Selbstverständnis – Zentrum der Welt. Wir sehen: gepflegte Vorgärten, Wege und Rabatten, gediegene Architekturen, chromblitzende Karossen unter strahlend blauem Himmel. Hier scheint alles Frieden, Wohlstand und Einvernehmen zu atmen – wäre da nicht ab und an ein merkwürdig liegender Gartenschlauch, ein nicht zu deutender Kabelverlauf, vielleicht ein oder zwei verdunkelte Autoscheiben zu viel, möglicherweise verdächtiger Restmüll in einer abgestellten Tüte und diese merkwürdige, unheimliche Unschärfe. Auch in dieser so still anmutenden Welt wird gelebt. Von hier aus fahren Menschen am Morgen in Büros und treffen Entscheidungen, die den Alltag von Milliarden von Menschen verändern. Hinter diesen Fassaden denken sie, in ihren Küchen stehend, mit ihren Kindern spielend, in ihren Betten liegend, darüber nach, was sie zu tun haben, damit die Welt so wird, wie sie sie zu sehen wünschen.

Der Thirty-Two Inch Ruler ist ein Maßband, amerikanisch genormt. Babylon ist der imaginäre Ort, an dem wir, woher wir auch immer kommen, aufeinandertreffen, an dem wir in der Lage sein sollten, eine Sprache zu finden, in der Kommunikation, kultur- und erfahrungsübergreifend, möglich ist. Was ist das Maß dieser Sprache?

Inka Schube

1 Zitiert nach Wolfgang Ullrich, Unschärfe, Antimodernismus und Avantgarde, in: Ordnung der Sichtbarkeit, Fotografie in Wissenschaft, Kunst und Technologie, hrsg. v. Peter Greiner, Frankfurt a. M. 2002, S. 389

John Gossage: Ohne Titel, aus: The Thirty-Two Inch Ruler (2008)

Du solltest etwas Zeit zu Hause verbringen

Ich begann am 12. September über diese Bilder nachzudenken – dem Tag, an dem mir bewusst wurde, dass Donald Rumsfeld mein Nachbar war. Ich lebe an einem Ort, der mir größten Komfort und in vielen Projekten Orientierung für mein Vorgehen bietet. Die Dunkelheit der »Stadt des Schwarz« habe ich zum ersten Mal während einer nächtlichen Fahrt auf der 24ten Straße gesehen und gedacht. Die Haltung in »There and Gone« steht im Gegensatz zu dem Gefühl der Sicherheit, das ich habe, wenn ich durch Kalorama gehe. Dieser Ort ist für mich ein Prüfstein, an dem ich gegenwärtige und zukünftige Vorhaben messe.

Zu Hause.

An den Tagen, die auf den 12. folgten, wurde mir allmählich klar, wie wichtig es war, hier vor Ort zu fotografieren. Ich dachte, ich sollte versuchen, an der Drift der Privilegien zu arbeiten und an der Benommenheit und Verwerfung, die sie erzeugt. Insbesondere Kalorama ist einzigartig. Dieses Stadtviertel Washingtons ist prädestiniert für Botschaften, Residenzen von Gesandtschaften und Privathäuser. Es ist bewacht rund um die Uhr von mindestens drei sich überlappenden Polizeidiensten: dem Executive Protection Service (der für das diplomatische Corps zuständig ist), der Washington Metropolitan Police Force und dem National Park Service. Darüber hinaus sind hier zeitweise auch Personal und Bodyguards des Departments of Defense [Verteidigungsministerium] tätig. Kalorama gilt als ein sicherer und angenehmer Ort um spazieren zu gehen, zu besichtigen oder zu leben – zu jeder beliebigen Stunde bei Tag und bei Nacht. Ein Ort der Schönheit und der Ruhe, den Du Dir zum Leben wählen kannst, wenn Du kannst. Ein Ort, an dem die Illusion von Reichtum und politischer Macht sichtbar wird.

Ich brauche Dinge, die sichtbar sind, um arbeiten zu können. Dies scheint ein allzu nahe liegendes Statement zu sein. Aber so vieles entgleitet ungeprüft, ohne eine Chance auf Widerspiegelung und Reflexion, dass ich es für nötig hielt, es festzuhalten. Washington ist eine Stadt, die gerade in dem, was sie am Berühmtesten gemacht hat, völlig unsichtbar ist. Was Du siehst, ist nicht das, was Du bekommst. Mit kritischem Blick durch die Straßen der Stadt wandern zu können, erlaubt mir (zumindest in der fotografischen Vertretung einer dritten Person), mich mit meinem eigenen Begehren, meinen Voreingenommenheiten ebenso auseinanderzusetzen wie mit denen meiner Nachbarn. So ist diese Erzählung vielleicht die eines großen und simplen Fehlers: Dem, zu glauben, dass das, was man wünscht, auch alle anderen wünschen und auch haben sollten. Oder vielleicht die eines noch größeren Wahns: zu glauben, man hätte ausreichend Macht, dies geschehen zu lassen.

Auch wenn wir in der jüngsten Vergangenheit noch einmal Glück gehabt haben, so ergeben meine Aufnahmen ein weiteres Buch in der Reihe meiner »Geschichtsbücher«. Und wenn nicht: Wir wissen ja, alte Gewohnheiten sind hartnäckig.

John Gossage, 1. Februar 2009

(Übersetzung: Michael Stoeber und Sprengel Museum Hannover)

John Gossage

The Thirty-Two Inch Ruler / Map of Babylon

22. Februar bis 17. Juni 2012

Eröffnung

21. Februar 2012, 18.30 Uhr

Ort: Raum für Fotografie, Einführung: Inka Schube

Im Anschluss: John Gossage im Gespräch mit Michael Stoeber (in engl. Sprache)

Öffnungszeiten

Di 10-20 Uhr, Mi bis So 10-18 Uhr

Ostersonntag und -montag, Pfingstsonntag und -montag

und Himmelfahrt 10-18 Uhr

Karfreitag und 1. Mai geschlossen

Kurt-Schwitters-Platz, 30169 Hannover

Tel. (0511) 168-4 38 75, www.sprengel-museum.de

Wer sich vorab schon einmal mit der Fotografie Gossages beschäftigen möchte, und vielleicht kürzlich Gossages Serie ‘The Pond’ (1985) während der Ausstellung PHOTOGRAPHY CALLING! im Sprengel Museum Hannover gesehen hat, dem sei folgendes Gespräch zwischen dem Fotografen und Toby Jurovics, Kurator am Smithsonian American Art Museum, empfohlen:

‘A Conversation with John Gossage – Smithsonian American Art Museum’.

Ab dem 21. Februar 2012 im Sprengel Museum Hannover: John Gossage: 'The Thirty-Two Inch Ruler' (2008)

Der von der Jury nach einer rekordverdächtig kurzen und einmütigen Sitzung bestimmte kommende Preisträger, der ukrainische Fotograf Boris Mikhailov, kam mit seiner Frau und Arbeitspartnerin Vita Mikhailov nach Hannover. Er nahm die Gratulation von Dietrich H. Hoppenstedt, Präsident der Stiftung Niedersachsen, entgegen, dankte in sehr persönlichen Worten für die Ehrung und beantwortete Fragen der Presse. Boris Mikhailov stellte exklusiv in diesem Kreis eine Arbeit vor, die noch im Werden begriffen ist und die sich mit den 1950er-Jahren in der UdSSR, den Jugendjahren des Fotografen, beschäftigt: “Ist es möglich, die Vergangenheit zu fotografieren? … Es gibt keine Bilder für das, was damals geschah. Zum Beispiel in einem wissenschaftlichen Institut, unter ständiger Beobachtung des KGB [Geheimdienst der UdSSR]. …  Ist es möglich, diese Lücke im visuellen Gedächtnis zu füllen?” Henning Queren, Neue Presse Hannover, fragte den fotografierenden Chronisten des Zerfalls der UdSSR und seiner Folgen, was denn der Welt verloren gegangen sei mit dem Ende der Sowjetunion. „Opposition” antwortete Mikhailov nach kurzem Überlegen.

Boris Mikhailov während der Pressekonferenz im Sprengel Museum Hannover

Der ›SPECTRUM‹ Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen wird anlässlich der Eröffnung der den Preis begleitenden Ausstellung am 24. Februar 2013 im Sprengel Museum Hannover an Boris Mikhailov übergeben. Am 23.Februar 2012 eröffnet die Berlinische Galerie eine erste Museums-Retrospektive des Künstlers in Deutschland. Ein Jahr später wird man in Hannover erleben können, wie sich das Werk dieses außergewöhnlichen Fotografen nach dieser so lange schon ausstehenden Museums-Würdigung hierzulande, nach Ausstellungen im Museum of Modern Art, New York, der Tate Modern und der eindrucksvollen Präsentation in der Galerie Barbara Weiss, Berlin, 2011, in einem anderen Rahmen neu sortiert. Auch wir sind gespannt und geben im Folgenden die Begründung der Juryentscheidung wieder:

»SPECTRUM« Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen VIII

Boris Mikhailov

Mit Boris Mikhailov ehrt die Stiftung Niedersachsen einen der herausragenden Fotografen der Gegenwart.  Der 1938 in Charkow (Ukraine) geborene Künstler gilt als Chronist der Geschichte seiner Heimat. In umfangreichen Bildzyklen widmet sich Mikhailov dem Alltag der sogenannten ‚kleinen Leute‘. Standen bis Ende der 1980er-Jahre vor allem ihre Sehnsüchte und deren ideologischen Überformungen im Mittelpunkt, so widmet sich der Künstler seither dem Verfall des sowjetischen Gemeinwesens und in der Folge seiner Neukonstruktion unter marktwirtschaftlichen Bedingungen. Mikhailov entwickelt aus diesem ‚Material‘ grundsätzliche, übergreifende Fragestellungen zur Bedingtheit menschlicher Existenz. Die eigene Biografie und Person dient häufig als Referenz: Der Akt des Fotografierens und die sich darin einschreibenden Machtverhältnisse werden ebenso reflektiert wie die sich seit Mitte der 1990er-Jahre ändernde Perspektive des Künstlers: In der Folge eines DAAD-Stipendiums zog Boris Mikhailov mit seiner Frau Vita Mikhailov 1996 nach Berlin, nicht ohne sich bis heute immer wieder für längere Zeit in der Ukraine aufzuhalten. Das Pendeln zwischen Ost und West, die Erfahrung der Emigration und des Lebens in einer  fremden kulturellen Situation und Sprache schreiben sich in das Werk ein.

'SPECTRUM'-Preisträger Boris Mikhailov

Das Œuvre von Boris Mikhailov ist in seiner Vielschichtigkeit von herausragender internationaler Strahlkraft und Vitalität. Werke von ihm waren in bedeutenden internationalen Ausstellungshäusern, unter anderem dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Modern, London, zu sehen. Eine Überblicksausstellung in einem großen deutschen Kunstmuseum steht erstaunlicher Weise noch immer aus. Die Vergabe des »SPECTRUM« Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen wird eine solche große Museumsausstellung in Deutschland ermöglichen. Der »SPECTRUM« Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen schließt zudem einen Geldpreis in Höhe von 15.000 Euro und die Produktion einer Künstlerpublikation ein.

Für die Jury: Inka Schube, 5. Juli 2011

Mitglieder der Jury:

Monika Faber, Photoinstitut Bonartes, Wien

Sandra Phillips, San Francisco Museum of Modern Art

Thomas Weski, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig

Inka Schube, Sprengel Museum Hannover

Joachim Werren, Stiftung Niedersachsen (beratend)

Bisherige Preisträger:

Robert Adams, Thomas Struth, John Baldessari, Sophie Calle, Martha Rosler, Helen Levitt , Bahman Jalali

Fotos: Michael Herling/Aline Gwose, Sprengel Museum Hannover

Wir freuen uns insbesondere über die zahlreichen jungen Besucherinnen und Besucher der Ausstellung PHOTOGRAPHY CALLING! über diejenigen, die zum ersten Mal im Sprengel Museum Hannover waren und die vielleicht, wenn denn noch Zeit für einen Abstecher in das Untergeschoss des Museums war, so ganz nebenbei auch den MERZ-Bau von Kurt Schwitters oder dieses oder jenes andere Werk der Klassischen Moderne für sich entdecken konnten. 2011 war (nicht nur) für die Fotografie im Sprengel Museum Hannover ein ereignisreiches, anregendes, aufregendes Jahr: Zu erwähnen sind, neben PHOTOGRAPHY CALLING!, die Ausstellung des Preisträgers des ›SPECTRUM‹ Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen, der großen iranischen Fotografen-Persönlichkeit Bahman Jalali; die nach 40 Jahren erste Museums-Ausstellung von Ted Arnold von Borsig; der Theo Lingen-Raum von Hans-Peter Feldmann (in Kürze im Kunstverein Lingen zu sehen) und Roman Bezjaks Fotografien von Architekturen der Nachkriegsmoderne in Osteuropa (zurzeit in einer Hamburger Galerie ausgestellt). Wir danken Ihnen, den Besucherinnen und Besuchern, für Ihr Interesse, für die Neugier, Seh- und Denklust, mit der Sie die Ausstellungen begleitet haben.Wir danken den Künstlerinnen und Künstlern, mit denen zu arbeiten wir 2011 die Ehre und das Vergnügen hatten, für ihr Vertrauen. Wir wünschen allen ein erfülltes 2012.

Projektraum von Wilhelm Schürmann während der Ausstellung PHOTOGRAPHY CALLING! im Sprengel Museum Hannover

Und nein, wir werden diesen Blog, ursprünglich gedacht als Begleitung zu PHOTOGRAPHY CALLING! –soweit wir wissen ein Pilotprojekt in der Landschaft deutschsprachiger Kunstmuseen – nicht einstellen. Wir werden ihn, unter leicht veränderter Überschrift, fortsetzen. Und nein, wir werden ihn nicht zu einem Ort des spezialisierten fotografischen Diskurses entwickeln. (Die Rubrik ‚Post aus’ wird selbstverständlich unter einem solchen Gesichtspunkt fortgesetzt.). Wir möchten, dass er zugänglich bleibt für jede und jeden, die und der sich für Fotografie interessiert, vor allem für diejenigen, die ihren Weg in ein Museum mit Schwerpunkt ‚Klassische Moderne’ noch finden möchten. Die Moderne, ob wir sie nun Post-, Pop-, PostPop- oder PostPost Moderne nennen, mit diesem oder jenem Stilbegriff aufrüsten, lebt, vibriert und ist einer ständigen Neubefragung ausgesetzt. Wie leben wir, wie wollen wir leben? Künstlerinnen und Künstler sind Seismografen der Gesellschaft, ihrer Veränderungen, ihrer Geschichte, ihrer Perspektiven. Der fotografische Blick ist die Art und Weise des Sehens, die zwischen Alltagskultur, Alltags-Sehen und ästhetischer Reflektion, der Art und Weise der Wahrnehmung von Alltag und der Kulturgeschichte dieser Wahrnehmung auf besondere Weise vermittelt: Jede Fotografie eine Spur! Jedes fotografisch argumentierende Bild ein ‚Speicher’ nicht nur unseres Wissens über die Welt, sondern auch ein Speicher unseres Nachdenkens darüber, wie wir, technologisch gerüstet, auf die Welt schauen.

Nein, wir werden diesen Blog nicht einstellen. Denn die Fotografie ruft nach wie vor, lädt dazu ein, das Sprengel Museum Hannover zu besuchen. Auch die Zusammenarbeit mit der Niedersächsischen Sparkassenstiftung wird fortgesetzt. Das Ausstellungsprogramm im ‚Raum für Fotografie’ wird auch in den kommenden Monaten Bezug zu der Sammlung der Niedersächsischen Sparkassenstiftung nehmen. Es wird die Perspektive der Fotografie im Sprengel Museum Hannover mit der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und ihrer Sammlung in ein fortlaufendes Gespräch führen. Die Stiftung unterstützt dieses Programm tat- und finanzkräftig. Dieser anhaltend so fruchtbaren Zusammenarbeit gilt an dieser Stelle unser besonderer Dank!

Prof. Dr. Ulrich Krempel, Direktor Sprengel Museum Hannover, und Dr. Sabine Schormann, Stiftungsdirektorin Niedersächsische Sparkassenstiftung

2012 erwarten Sie im Sprengel Museum Hannover drei – gemessen an PHOTOGRAPHY CALLING! – kleine, aber feine und sehr besondere Präsentationen fotografischer Bilder, über die wir Sie an dieser Stelle auf dem Laufenden halten werden. Auch war für manches Interview mit dieser oder jenen Künstlerin, diesem oder jenem Künstler, deren und dessen Werke in PHOTOGRAPHY CALLING! zu sehen waren, keine Zeit in den so betriebsamen vergangenen Wochen – wir werden es an dieser Stelle nachliefern. Und auch die Zusammenarbeit mit der Stiftung Niedersachsen, mit der wir gemeinsam die Ausstellung des kommenden Preisträgers des ›SPECTRUM‹ Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen vorbereiten, wird an dieser Stelle vorgestellt werden.

Es bedarf vieler Partner, Verbündeter und Wohlgesonnener, um das Projekt ‚Erweiterungsbau des Sprengel Museum Hannover’ zu einem glücklichen Finale zu führen. Der Erweiterungsbau wird ein gesondertes Depot beherbergen, das den höchsten konservatorischen Anforderungen der Fotografie entsprechen wird. Allen, die daran mit Kreativität, Mühe, Zähigkeit und Sorgfalt arbeiten, den Architekten Meili + Peter, Stadt und Land, nicht zuletzt den Sponsoren und Spendenden (wie würde das Museum angesichts der knappen öffentlichen Kassen wohl ohne dieses Engagement aussehen?), gilt an dieser Stelle gleichfalls unser Dank. Wie es mit dem Bau weitergeht, werden Sie der Presse entnehmen können.

Dieser Blog wird sich auch in Zukunft vor allem auf die fotografischen Aktivitäten im Sprengel Museum Hannover konzentrieren – auch wenn das Museum weit mehr – dies kann man nicht oft genug anmerken – zu bieten hat. Vorenthalten haben wir Ihnen bisher Informationen über das Pressefrühstück, das am 9.1.2012 anlässlich der Bekanntgabe des kommenden Preisträgers des ›SPECTRUM‹ Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen stattgefunden hat. Wir holen dies im folgenden Beitrag nach.

Mit freundlichen Grüßen

Gesa Lehrmann, Blogbetreiberin, und Inka Schube, Kuratorin für Fotografie und Medienkunst am Sprengel Museum Hannover

Fotos: Michael Herling/Aline Gwose, Sprengel Museum Hannover

PC!-Blog: Herr Ruff, In Ihren Arbeiten ‘Cassini’ und ‘m.a.r.s’ beschäftigen Sie sich mit Aufnahmen aus dem Weltraum. Was fasziniert Sie so sehr am All?

T.R: Mich hat der Kosmos schon fasziniert, als ich, keine Ahnung, 10, 12 oder 14 Jahre alt war. Ich hatte ein kleines Teleskop, habe Astronomie-Magazine gelesen. Ich denke, dass jeder an der Astronomie interessiert sein sollte, denn sie kann uns erzählen, wo wir herkommen und wo wir hingehen werden. Als ich mit 19 Jahren mein Examen an der Hight School gemacht hatte, musste ich mich entscheiden, ob ich Astronomie oder Fotografie studieren wollte. Sie sehen, das war echtes Interesse!

Installationsansicht Thomas Ruff: 'm.a.r.s' (2010/2011)

PC!-Blog: In ihrer Serie ‘m.a.r.s’ greifen Sie auf Bildmaterial der NASA zurück. Wie sind Sie an dieses herangekommen?

T.R: Es ist für jeden auf der NASA-Homepage zugänglich. Alles ist public domain, es gibt keine Copyright-Beschränkung, da die Aufnahmen von Maschinen gemacht wurden.

PC!-Blog: Die Bilder, die der Serie ‘m.a.r.s’ zugrunde liegen, sind somit quasi von Ihnen vorgefundenes Bildmaterial. Was sagt das über die Arbeit des Fotografen von heute aus?

T.R: Nicht viel. Immer, wenn ich Aufnahmen nicht selbst machen kann, nehme ich die Hilfe von Spezialisten in Anspruch.

PC!-Blog: Sie kolorieren diese Bilder per Computer nach und verändern zu dem deren Anschauungswinkel. Spielen Sie bewusst mit unserer Wahrnehmung von Realität?

T.R: In der Serie ‚m.a.r.s.’ habe ich die Perspektive eines höheren Satelliten in einen niedrigeren Flugzeug-Blickwinkel umgewandelt. Mit einem Flugzeug über den Mars zu fliegen, ist rein fiktional, niemand hat das bisher getan. Ich mag den Mix aus Realität und Fiktion in den ‚m.a.r.s.’-Bildern.

PC!-Blog: Können wir mit noch weiteren Serien von Ihnen aus dem Weltall rechnen?

T.R: Wahrscheinlich.

Interview: Gesa Lehrmann

Fotos: Michael Herling/Aline Gwose, Sprengel Museum Hannover

PC!-Blog: Frau Dr. Schormann, nach welchen Kriterien sind die von der Stiftung angekauften Werke ausgewählt worden?

S.S: Der Kunstbeirat der Stiftung verfolgt im Bereich Fotografie drei Ziele: Zum einen werden sogenannte stilbildende, internationale und nationale fotografische Positionen angekauft, weil wir eine Sammlung in musealer Qualität zusammen stellen möchten. Deren Verfügbarkeit wird aber bei der dynamischen Entwicklung des Kunstmarkts zunehmend begrenzter. Daher haben wir uns in der ersten Periode der Sammlungsaktivität vorrangig auf die Sicherung derartiger Positionen konzentriert. Inzwischen sind wir in der Lage auch Arbeiten jüngerer Fotografinnen und Fotografen zu erwerben, von denen wir und unsere Berater der Meinung sind, dass sie bereits ein eindeutiges künstlerisches Potential entwickelt haben. Und natürlich haben wir als niedersächsische Stiftung auch ein Auge auf den Arbeiten von Fotografinnen und Fotografen aus unserem Land. Es geht aber nicht darum, eine enzyklopädische Sammlung anzulegen, sondern sich auf bestimmte Positionen zu konzentrieren, diese in die Tiefe zu sammeln und so eine Sammlung mit unverwechselbarem Profil zu erlangen.

Von der Niedersächsischen Sparkassenstiftung angekauft: 'Termini' (2010/2011) von Heidi Specker

PC!-Blog: Mit der Arbeit von Laura Bielau sind Werke von einer nicht nur altersmäßig recht jungen, sondern vergleichsweise auch noch eher unbekannten Fotografin angekauft worden. Ging es der Stiftung bei dieser Entscheidung auch darum, eine junge Künstlerposition zu unterstützen?

S.S: Laura Bielau  erscheint uns trotz ihres jungen Alters als vielversprechendes Talent und wir haben uns gefreut, dass wir uns zu einem frühen Zeitpunkt ihrer Karriere eine wichtige Arbeit sichern konnten. Und natürlich bedeuten in dieser Phase einer künstlerischen Entwicklung Ankäufe nicht nur eine materielle Absicherung, sonder vor allem eine  Anerkennung der künstlerischen Arbeit, die psychologisch wichtig ist und sehr inspirierend wirken kann.

Ebenfalls angekauft: 'Color Lab Club' (2007/2008) von Laura Bielau

PC!-Blog: Ist es schon absehbar, wann die Stiftung weitere Ankäufe tätigen kann?

S.S: Der Kunstbeirat tagt zweimal jährlich und diskutiert die Vorschläge der Berater in der Runde. Auf dieser Beschlussgrundlage werden kontinuierlich Ankäufe getätigt und gerade in diesen Tagen wird mit Wilhelm Schürmann und Martin Parr über Ankäufe von frühen Arbeiten verhandelt.

PC!-Blog: Mit Werken welcher Künstler würden Sie die Sammlung der Stiftung in
Zukunft gerne ergänzen?

S.S: Ich persönlich würde gerne dem Ruf “Photography Calling!” folgen und mich über Arbeiten von Andreas Gursky freuen, dessen Werke mich beeindrucken und ansprechen; vielleicht weil sie auf der Grundlage eines kollektiven Lebensgefühls entstehen. Tobias Zielony finde ich auch deswegen so interessant, weil er besonders das junge Publikum in der Ausstellung anspricht. Aber das sind Wünsche; die Entscheidungen werden natürlich gemeinsam mit der Stiftung im Beirat getroffen.

Interview: Gesa Lehrmann

Fotos: Michael Herling/Aline Gwose, Sprengel Museum Hannover

Installationsansicht: Andreas Gursky: Cocoon II (2008)

Das Bild von Gursky ist voller Details, man kann es als großes Ornament aus der Ferne betrachten oder ganz nah rangehen und versuchen, die Gesichter zu erkennen. Der Blick muss immer wieder justiert und scharfgestellt werden. Wie anders wirken da die Bilder von Jitka Hanzlova (Forest, 2000-2005): kleine Formate, die stille Ansichten der Natur, des Waldes zeigen. Aufnahmen von Bäumen, Gräsern, Wiesen. Eine ruhige, romantische, poetische Welt, die meilenweit entfernt ist von der lärmenden Party im Cocoon II. Aber auch hier muss der Blick sich genau verorten, muss fokussiert werden und die Details entziffern. Der riesigen Struktur des Waldes (wie viele Bäume sind es eigentlich?) werden einzelne, konzentrierte Bilder abgerungen, die in ihrer Stille und Präzision an die Vergänglichkeit denken lassen und dem Betrachter zeigen, dass die Natur ein Eigenleben führt. Verliert der Einzelnen sich im Gewirr der Anderen, wie im Cocoon II, findet er sich ebenfalls relativiert in der Einsamkeit des Waldes und der Natur. Wer sich nicht verlieren will, muss sich auf die richtigen Details konzentrieren und stets das Ganze im Blick behalten.
Text: Maik Schlüter

Foto: Michael Herling/Aline Gwose, Sprengel Museum Hannover